Elvira Biatta
UNA SOGLIA
Il mio lavoro è un esercizio di verità.
Non dipingo per dimostrare, né per compiacere. Dipingo per testimoniare. I materiali che uso – capelli persi durante l’acutizzarsi di una malattia autoimmune, frammenti di corpo, reliquie intime – non sono simbolici: sono reali, accaduti, irrecuperabili. Il dolore, la perdita, il nutrimento, la morte, la malattia e l’adorazione sono i territori che esploro, e lo faccio senza alleggerire nulla. Voglio che si veda, che si senta, che resti.
Ogni opera è un altare.
Che sia una scultura, un’installazione, un’azione pubblica o una pittura, ciò che propongo è un luogo di esposizione e di esposizione a. Chi guarda non può rimanere spettatore neutrale: è chiamato a interrogarsi sul proprio corpo, sulla propria memoria, sul proprio tempo. L’infanzia, il trauma, il sacro e il femminile si stratificano nelle mie immagini. Ci sono capezzoli dorati come ostie, bare di cani amate come figli, parole che si trasformano in formule magiche, mandorle che diventano organi emotivi. Ogni gesto è un frammento offerto, e ogni opera un residuo del passaggio.
Il corpo è sempre presente.
Talvolta esploso in pittura, a volte contenuto in un’immagine fotografica, più spesso evocato attraverso i segni che lascia: macchie, peli, cicatrici, riti. Credo in una pratica artistica che non separa il fare dal vivere. Per me non esiste un’opera fuori dall’esperienza. Per questo uso i miei capelli, il mio sangue, i miei oggetti familiari. Perché parlano di me, ma anche di noi.
Non sono cattolica, ma ho bisogno di liturgie.
L’arte è la mia forma di adorazione. Mi nutro di ciò che è stato perduto. Compongo memoriali, costruisco reliquiari, creo piccoli luoghi di culto per ciò che non può essere più detto. Eppure, ogni opera è anche un’offerta di futuro:  non per dire “ci sono stata”, ma per lasciare spazio a ciò che ancora può accadere.
Forse il mio lavoro è difficile da accogliere perché è troppo nudo.
Ma io non voglio più coprire niente.
Elvira Biatta


A THRESHOLDE
My work is an exercise in truth.
I don’t paint to prove anything, nor to please. I paint to bear witness.
The materials I use — hair lost during the flare-up of an autoimmune disease, fragments of body, intimate relics — are not symbolic: they are real, lived, irretrievable.
Pain, loss, nourishment, death, illness, and adoration are the territories I explore, and I do so without softening a thing.
I want it to be seen, to be felt, to remain.
Each work is an altar.
Whether a sculpture, an installation, a public action, or a painting, what I propose is both a space of exposure and a space of being exposed.
I don’t just exhibit works; I create a space where the viewer, too, is exposed — challenged, touched, called to respond.
The viewer cannot remain neutral: they are asked to confront their own body, their own memory, their own time.
Childhood, trauma, the sacred and the feminine are layered into my images.
There are golden nipples like communion wafers, coffins for dogs loved like children, words turned into spells, almonds transformed into emotional organs.
Each gesture is a fragment offered; each work, a residue of passage.
The body is always present.
Sometimes exploded into painting, sometimes contained in a photograph, more often evoked through the traces it leaves: stains, hair, scars, rituals.
I believe in an art practice that does not separate making from living.
For me, no work exists outside of experience.
That’s why I use my hair, my blood, my family’s objects.
Because they speak of me — but also of us.
I am not Catholic, but I need liturgies.
Art is my form of worship. I feed on what has been lost.
I compose memorials, build reliquaries, create small places of devotion for what can no longer be spoken.
And yet, each work is also an offering to the future:
not to say “I was here,”
but to make space for what has yet to happen.
Maybe my work is hard to receive because it’s too bare.
But I no longer want to cover anything.
Elvira Biatta